In diesem Modul erweitern wir unsere harmonische Palette, indem wir häufig vorkommende Umkehrungen der Akkorde vorstellen, die wir in unseren grundlegenden Progressionen verwenden. Wir befassen uns auch mit der Intonation auf dem Keyboard. Die Intonationsregeln, die für SATB verwendet werden, werden in der Regel auch in der Instrumentalmusik befolgt, aber sie sind nicht für alle Texturen und Besetzungen geeignet. Keyboard-Voicing ist ein Ansatz zur Intonation homorhythmischer, homophoner Harmonien für das Keyboard. Aber wenn man erst einmal weiß, wie man Keyboard-Voicing macht, kann man Patterns auf die beiden Hände anwenden und relativ einfach Begleitstimmen erstellen. Wir werden uns sogar eine etwas komplexere arpeggierte Passage ansehen, die einer Textur in einem von Schuberts Impromptus ähnelt. Sie werden sehen, wie eine homorhythmische Textur als Gerüst für die Erstellung anderer Texturtypen dienen kann. Ein Hinweis zu den Aufgaben: Wir haben 2 schriftliche Aufgaben. Bitte erledigen Sie diese in der richtigen Reihenfolge. Aufgabe 2 verwendet die Lösung von Aufgabe 1. Versuchen Sie also nicht, sich Aufgabe 2 anzusehen, bevor Sie Aufgabe 1 abgeschlossen haben. Außerdem gibt es ein Quiz.

In diesem Modul sehen wir uns einige häufig vorkommende sequentielle Progressionen an. Wir werden einige Ausschnitte von Mozart und Beethoven analysieren, die die Verwendung dieser Arten von Fortschreitungen demonstrieren. Ich werde Ihnen auch zeigen, wie Sie Muster auf diese Abfolgen anwenden können, um 3-stimmige polyphone Passagen zu schaffen. Wir werden uns auch ansehen, was ich als Quintenzirkel-Progression bezeichne. Der Begriff kann etwas Verwirrung stiften, deshalb möchte ich ihn hier kurz erklären. Wir sind wahrscheinlich alle mit dem Quintenzirkel vertraut, da er üblicherweise verwendet wird, um Tonarten und Vorzeichen zu lehren. Wenn wir in einer Reihe von perfekten Quinten abwärts oder aufwärts gehen, durchlaufen wir alle 12 Tonarten. Beginnend bei C erhalten wir beim Aufsteigen Tonarten mit Kreuz, beim Absteigen Tonarten mit B. Wenn wir ein 13. Mal um eine reine Quinte auf- oder absteigen, landen wir wieder dort, wo wir angefangen haben. Die Quintenzirkel-Progression verwendet jedoch nicht ausschließlich reine Quinten. In vielen Fällen ist das einfach nicht möglich, weil dies einen Tonartwechsel erzwingt, der vom Komponisten häufig nicht gewünscht wird. Daher wird die reine Quinte manchmal in eine verminderte Quinte umgewandelt, damit die Progression in der gleichen Tonart bleibt. Sie können die Quintenzirkel-Progression, die wir diese Woche untersuchen, als diatonische Version des ursprünglichen Quintenzirkel-Konzepts betrachten. Mit ihr durchlaufen wir nicht alle 12 Tonarten, sondern alle 7 Akkorde der Tonart. Einige von Ihnen kennen diese Progression vielleicht einfach als die Kreisprogression. Es gibt eine Aufgabe zur Selbsteinschätzung.

In diesem Modul befassen wir uns mit der Idee der Akkordsubstitution. Alle Ersetzungen, die wir in dieser Woche lernen, sind diatonisch, d.h. der ersetzende Akkord steht in der Tonart der Passage. Auch das Schreiben von Melodien wird eingeführt und in den 3 Teilen von Lektion 7 gehe ich durch die Erstellung einer ganzen Musikpassage aus einer sehr einfachen 2-stimmigen Gliederung. Dabei versuche ich, die Dinge zu formulieren, an die man denkt, wenn man eine Melodie innerhalb einer Phrase kreiert und mit ihr arbeitet. Wir werden uns auch die Arten von harmonischen Fortschreitungen ansehen, die am Ende einer Phrase stattfinden. Diese werden Kadenzen genannt und sind entscheidend für die Erfahrung der Form in der gängigen Musikpraxis. Nachdem wir Kadenzen eingeführt haben, können wir uns eine der einfachsten Formen ansehen - die Periodenform. Mit den Konzepten und Techniken, die Sie in diesem Modul gelernt haben, werden Sie in der Lage sein, eine kurze 4-8-taktige Passage zu nehmen und daraus eine kleine Komposition zu erstellen. Die Aufgabe für diese Woche besteht darin, eine Skizze einer 5-taktigen Phrase in eine 10-15-taktige Komposition zu verwandeln, die eine parallele Periodenform verwendet. Die Beschreibung der Aufgabe sollte Sie darauf hinweisen, dass die "Lösung" nur eine Möglichkeit ist. In der Vergangenheit gab es immer mehr Lösungen als die vorgegebene, aber nicht viel mehr. Diese Woche ist das anders. Es wird eine ganze Reihe von Lösungen geben, aber ich bin der Meinung, dass die vorgegebene Lösung eine gute Umsetzung des in den Vorlesungen der Woche Gelernten ist. Ich würde also vorschlagen, dass Sie Ihre Lerngruppen nutzen (oder Lerngruppen bilden), um einige Ihrer Lösungen auszutauschen, da sie sich in mancher Hinsicht von der vorgegebenen Lösung unterscheiden werden. Das wäre auch eine gute Vorbereitung auf das Abschlussprojekt, bei dem Sie bei der Beurteilung Ihrer Kommilitonen ein solches Feedback geben werden. Ich möchte auch darauf hinweisen, dass sich Ihre Lösung zwar in Details von meiner unterscheiden kann, aber die allgemeineren Aspekte - Struktur, Kadenztypen und Orte zum Beispiel - sollten es nicht. Ich möchte Sie daran erinnern, dass all diese verschiedenen Arten der Auseinandersetzung mit der Aufgabe - das Ausfüllen, der Abgleich mit der Lösung, das Einholen von Feedback von anderen und das Geben von Feedback - Teil des Lernprozesses sind.

Dieses Modul baut auf dem Konzept der Akkordsubstitution auf, das zuvor eingeführt wurde. In dieser Woche befassen wir uns jedoch mit Akkorden, die nicht diatonisch, sondern chromatisch sind. Einige von Ihnen sind vielleicht mit dem Konzept der Chromatik vertraut. Seine einfachste Definition ist die Verwendung von Akkorden, die nicht zu der Tonart der Passage gehören, in der sie verwendet werden. Eines der Dinge, die die Chromatik ermöglicht, ist die Modulation in neue Tonarten, so dass die Leute manchmal denken, dass Chromatik Musik ist, die die Tonart wechselt. Das ist nicht ganz richtig - obwohl es oft der Fall ist. In Write Like Mozart werden wir uns nur mit der Verwendung chromatischer Harmonie befassen, die keine Modulation verursacht. (Modulation ist ein umfangreiches Thema, das vielleicht 2-3 Wochen in Anspruch nehmen würde, um es angemessen zu behandeln, und wir haben hier einfach nicht den Platz dafür) Wir werden uns auch mit dem 2-stimmigen Kontrapunkt vertraut machen. Wir werden uns mit dem Schreiben von 2:1-Kontrapunkt beschäftigen, d.h. 2 Noten in der Oberstimme gegen 1 Note in der Unterstimme. Kontrapunkt kann noch viel tiefer gehen, aber das ist ein Thema für sich und würde auch den Rahmen dieses Kurses sprengen. Ich wollte jedoch einige Hinweise dazu geben, weil wir uns diese Woche eine Bagatelle von Beethoven ansehen werden, in der er den 2-stimmigen Kontrapunkt verwendet. Da dieses Werk zum Teil als Modell für Ihre eigene Komposition für das Abschlussprojekt dienen könnte, dachte ich, es wäre gut, sich ein wenig Zeit zu nehmen, um Ihnen einige Einblicke in das Schreiben eines einfachen 2-stimmigen Kontrapunkts zu geben.

Dieses letzte Modul beginnt mit einer Einführung in das, was ich "Progressionen innerhalb von Progressionen" nenne. Oft verwendet ein Komponist V-I-Progressionen, die in Tonarten stehen, die mit der ursprünglichen Tonart verwandt sind, aber nicht in dieser liegen. In der Tonart C-Dur zum Beispiel ist es durchaus üblich, dass ein D-Dur-Akkord zu einem G-Dur-Akkord führt. Nun, bis jetzt haben wir das noch nicht gesehen und wir hätten auch keine Möglichkeit, es zu beschreiben. Dieser D-Dur-Akkord steht nicht in der Tonart C, er ist kein neapolitanischer oder augmentierter 6-Akkord. Er ist kein geliehener Akkord, denn weder in C-Dur noch in c-Moll gibt es einen D-Dur-Akkord als Akkord auf der zweiten Skalenstufe. Dieser D-Dur-Akkord liegt jedoch eine Quinte über dem G-Dur-Akkord, was bedeutet, dass es eine Dominant-Tonika-Beziehung zwischen dem D-Dur-Akkord, der nicht in der Tonart steht, und dem G-Dur-Akkord, der in der Tonart steht, gibt. Das hört sich verwirrender an, als es ist, also werde ich es hier nicht weiter beschreiben. Stattdessen empfehle ich Ihnen, sich die Videos zu diesem Konzept anzusehen, die meiner Meinung nach recht deutlich machen, worum es sich dabei handelt und wie man sie verwendet. Diejenigen, die sich schon einmal mit Harmonielehre beschäftigt haben, sind vielleicht mit dem viel geläufigeren Begriff "Sekundärdominante" vertraut. Das ist es, was diese Progressionen innerhalb von Progressionen sind. Wir werden uns auch eine Technik ansehen, die für den in diesem Kurs untersuchten Musikstil entscheidend ist: den Alberti-Bass. Dabei handelt es sich um das bekannte arpeggierte Akkordmuster, das Sie häufig in der Musik dieser Epoche finden. Sie sind einfach zu schreiben, aber es gibt ein paar Dinge, die beim Komponieren beachtet werden müssen. Es gibt auch einige Videos, die Ihnen die Kurskonzepte näher bringen sollen. Das erste ist ein Video über die Ausarbeitung von Progressionen. Die in der ersten Woche vorgestellten grundlegenden Progressionen sind zwar nicht sehr umfangreich, aber wir haben gelernt, wie man sie durch Akkordumkehrung und diatonische und/oder chromatische Substitutionen erheblich verändern kann. Aber wir haben uns nicht allzu sehr damit beschäftigt, wie man all diese Strategien zu einer einzigartigen Progression zusammenfügt. Dieses Video soll Ihnen das bieten. Zum Schluss sehen wir uns ein Thema aus einem von Mozarts sehr berühmten Thema und Variationen an, das Teil der Klaviersonate KV 331 ist. Dies ist nicht nur wichtig, weil es die in diesem Kurs vorgestellten Konzepte zusammenbringt. Viel wichtiger ist, dass das Werk Ihnen als Modell für Ihr Abschlussprojekt dienen kann. Es ist ein hervorragendes Beispiel für eine abgerundete binäre Form - die Form, die Sie für die Komposition des Abschlussprojekts verwenden müssen.