Was ist Musik? Ist Musik einfach die Organisation von Klängen und Stille, die die Zeit durchläuft? Oder ist sie mehr? Für den Dichter Victor Hugo ist Musik "das, wonach Gefühle klingen" In diesem ersten Modul nehmen wir Hugos scheinbar einfache Aussage auseinander, indem wir uns die Frage stellen, wie und warum Musik bei Menschen in verschiedenen Kulturen starke Emotionen hervorruft. Wir beginnen mit einem Blick auf das Innenleben des menschlichen Ohrs, um herauszufinden, wie unsere Gehirne Schallwellen verarbeiten. Dann reisen wir in verschiedene Teile der Welt und vergleichen und kontrastieren sowohl traditionelle als auch populäre westliche Musik mit Klängen aus verschiedenen Regionen und Kulturen. Sie werden feststellen, dass sowohl die Kultur als auch die Physik der Musik dafür verantwortlich sind, warum wir die Musik mögen, die wir mögen! Danach werden wir einen Blick auf die grundlegenden Elemente der musikalischen Komposition werfen: Rhythmus, Melodie, Textur usw. Wir werden auch erfahren, wie klassische Komponisten diese Elemente in einigen ihrer berühmtesten Werke verwendet haben und wie moderne Künstler sie auch heute noch einsetzen. Schließlich werden wir sehen, wie sich die Elemente der musikalischen Komposition im Laufe der Zeit entwickelt haben und wie sie in eine universelle Sprache übersetzt wurden, die von Millionen Menschen genossen und verstanden wird.

Haben Sie sich jemals gefragt, was es ist, das Musik manchmal reich und luxuriös und manchmal seltsam und mysteriös klingen lässt? Dann haben Sie Glück, denn in diesem Modul erforschen wir das Wesen gleichzeitiger Klänge und Texturen. Wir beginnen mit einem Blick auf Akkorde, insbesondere darauf, wie die drei Arten von Dreiklängen - Tonika, Dominante, Subdominante - ein Fundament bilden, auf dem eine Melodie aufgebaut werden kann. Sobald wir die Regeln der musikalischen Syntax verstanden haben, sind wir bereit, uns mit musikalischen Fortschreitungen zu beschäftigen, einschließlich der drei Arten von Kadenzen, sowie mit Dur- und Moll-Dreiklängen und ihrer Funktionsweise. Dann werden wir lernen, wie man den Bass hört und sich auf die Harmonie eines Songs konzentriert. Schließlich werde ich Ihnen die vier Familien von Musikinstrumenten vorstellen - Blechbläser, Schlagzeug, Streicher und Holzbläser - und die verschiedenen musikalischen Strukturen, Formen und Stile, die sie erzeugen können. Wie aufregend!

In den Vorlesungen dieses Moduls werden wir tausend Jahre musikalische Entwicklung abdecken! Wir beginnen mit dem Mittelalter und werfen einen Blick auf die funktionalen Gesänge und die Tanzmusik, dann gehen wir in die Zeit der Renaissance über und hören uns zum Abschluss die kunstvollen Melodien der Oper an, die im frühen Barock zu hören waren. Sie werden sehen, wie die Fortschritte in der musikalischen Notation es ermöglichten, die Kompositionen sowohl spezifischer als auch komplexer zu gestalten. Diese Fortschritte sind letztlich dafür verantwortlich, dass sich der Fokus von den Interpreten auf die Komponisten selbst verlagert hat... Auf dem Weg dorthin werden wir einige dieser musikalischen Erfinder und Innovatoren wie Hildegard von Bingen und Johann Pachelbel kennenlernen. Wir werden auch die einmalige Gelegenheit haben, viele der Instrumente zu sehen (und in einigen Fällen sogar zu hören), die in diesen verschiedenen Epochen beliebt waren. Das wird ein echter Leckerbissen, der durch die Hilfe des Yale-Dozenten Grant Herreid ermöglicht wird. Wir sind ihm zu großem Dank verpflichtet!

Romanautoren, Dichter, Maler, Mathematiker und sogar Geologen sprechen über "fugenartige" Strukturen in ihren Medien und Disziplinen. Aber was ist eine Fuge und wie sind wir zu ihr gekommen? Um das herauszufinden, begeben wir uns in die Welt der Barockmusik und des berühmten Meisters der Fuge, Johann Sebastian Bach. Zunächst werden wir die Gelegenheit haben, in der Barockzeit zu "leben", indem wir einen detaillierten Einblick in das Leben, die Karriere und sogar das Haus von Bach erhalten - wir erfahren, wo und wie Bach und seine Familie lebten, diskutieren über Bachs Musik und sprechen über die Techniken der Barockmusik als Ganzes. Anschließend wird Bachs Musik mit der seines Zeitgenossen und deutschen Landsmanns Georg Friedrich Händel verglichen und gegenübergestellt. Man könnte sagen, dass Bach ein Idealist und Händel ein Realist war, wenn es um Musik ging. Wir werden uns also ansehen, wie diese Persönlichkeitsmerkmale den Musikstil der beiden Komponisten beeinflusst haben. Zum Abschluss des Moduls werden wir eine Einführung in die Musik der klassischen Periode geben, und wer könnte uns besser den Weg weisen als der unnachahmliche Wolfgang Amadeus Mozart?

Können Sie sich vorstellen, dass musikalische Kompositionen früher als Wegwerfunterhaltung für den einmaligen Gebrauch betrachtet wurden? Können Sie sich vorstellen, dass ein Orchester versucht, ein wunderschönes Stück über den Lärm der Gäste in einem Kasino zu spielen? Wie wäre es, wenn eine Geige von einem laut bellenden Hund vor einem Café übertönt würde? Nun, das war die Realität vor der Wende zum 18. Jahrhundert. Erst um 1800 begannen die Menschen, musikalische Kompositionen zu schätzen, so wie sie es heute tun. Zu dieser Zeit entstanden auch die ersten großen Konzertsäle, die eigens für das Hören von Konzerten eingerichtet wurden. Nicht lange danach wurde Musik als etwas angesehen, das man erheben und studieren konnte, mit anderen Worten, sie wurde zur "Hohen Kunst" In dieser Woche werden wir uns zunächst Musik von Haydn und Mozart anhören, um sozusagen eine Grundlage für die musikalische Form zu schaffen. Im weiteren Verlauf werden wir auch sehen, wo und wie sie lebten, vergleichen, wie sie ihre Musik schrieben und aufführten und uns sogar einige der Instrumente ansehen, auf denen sie vor all den Jahren spielten.Im zweiten Teil des Moduls werden wir uns mit zwei Persönlichkeiten beschäftigen, die im Zentrum der westlichen Musik stehen. Wir werden seine Musik anhand von drei künstlerischen Meisterwerken erkunden: einem Klavierkonzert, einer Oper und der Requiem-Messe... Wir werden uns mit den einzigartigen Merkmalen der Musik befassen, die sie über Jahrhunderte hinweg zum Goldstandard für alle Musik machen. Vielleicht ist der Höhepunkt (oder Tiefpunkt) erreicht, wenn Ihr Lehrer auf der Bühne von dem schwächlichen Don Giovanni rücksichtslos ermordet wird. Seine körperliche Erscheinung könnte sehr wohl als Prototyp für den stereotypen "kämpfenden Barden" oder das "gequälte Genie" gedient haben Wir werden einige seiner berühmtesten Sonaten studieren, darunter die Mondscheinsonate, und uns dann über seine Musik hinaus mit seinem persönlichen Leben beschäftigen, einschließlich seines Kampfes mit Taubheit und Depression.

Wenn Sie einen Soundtrack zur Französischen Revolution erstellen könnten, würde er sicherlich Musik aus Beethovens "heroischer" Periode enthalten, in der er "den Klang in die Sinfonie brachte" Wir werden sehen, wie Beethovens Einbindung neuer Instrumente und die Schaffung eines großen Orchesters seine Symphonien viel lauter und "klanglich lebendiger" machte als die seiner Vorgänger. Im Mittelpunkt steht ein Vergleich der Musik von Beethovens "heroischer" Periode, repräsentiert durch seine Symphonie Nr. 5, mit der seiner "späten" Periode, verkörpert durch seine berühmte Ode an die Freude. Wir werden uns auch mit dem Menschen Beethoven befassen, wie es die Primärquellen über sein Leben zu dieser Zeit zeigen. Sie zeichnen das Bild eines zerzausten, wild aussehenden Beethoven, der inmitten von Schmutz und Unordnung lebte und von seiner Arbeit verzehrt wurde. Die entscheidende Frage ist, inwiefern sein Leben in der Isolation und seine Hörbehinderung das Wesen (den Stil) der großartigen Musik, die er schuf, beeinflusst haben könnten... Wenn wir uns von Beethoven verabschieden, kommen wir zur vollendeten musikalischen Romantik. Die romantische Musik, ja die gesamte romantische Kunst, war bekannt für ihre idealistischen Ansichten über Liebe und Natur. Die musikalische Romantik, die etwa von 1820 bis 1900 dauerte, brachte eine Entwicklung des musikalischen Stils und einen Wechsel des Aufführungsortes mit sich. Neben der Aristokratie und ihren königlichen Palästen entstand in dieser Zeit in Europa eine starke Mittelschicht. Mit der Musik des stets lyrischen Franz Schubert treten wir in die Stube eines Hauses der oberen Mittelschicht ein, um seine häusliche Kammermusik und Lieder zu erleben. Zum Abschluss des Moduls werden wir uns die Frage stellen: Wie nutzen wir musikalische Klänge, um zu kommunizieren? Ein Blick auf die Programmmusik (Instrumentalmusik, die mit musikalischen Gesten eine Geschichte erzählt) wird uns helfen, dies herauszufinden. Nach einem kurzen auditiven Überblick über die Funktionsweise von Programmmusik (wir folgen Vivaldi an einem Frühlingstag), werden wir Hector Berlioz dabei zusehen, wie er zur Hölle fährt. Genauer gesagt, folgen wir der Abfolge der musikalischen Gesten, die er einsetzt, um eine fantastische Geschichte von Verfolgung, Zerstörung und Verdammnis zu erschaffen. Nachdem wir unsere Lektion gelernt haben, machen wir uns zum Schluss einen Spaß daraus, Themen aus verschiedenen Sinfonien den geistigen Bildern zuzuordnen, die der Komponist im Kopf hatte. Sprechen Sie die Sprache der Programmmusik fließend? Machen Sie mit und finden Sie es heraus!

Modul 8 beginnt mit einem Rundgang durch die außergewöhnliche Klaviersammlung von Yale, die vielleicht die beste ihrer Art auf der Welt ist. Wir werden voll funktionsfähige Instrumente in allen Formen und Größen sehen, von denen einige bis in die Zeit Mozarts und davor zurückreichen! Wir werden die bevorzugten Marken und Stile einiger der besten Pianisten aller Zeiten kennenlernen, Haydn, Beethoven, Liszt, Chopin und Schubert, um nur einige zu nennen. Wir werden sogar einige dieser Instrumente hören, gespielt vom Musikpädagogen und Konzertpianisten Robert Blocker. Anhand seiner Darbietungen können wir genau hören, wie die Fortschritte in der Technologie den Klang und die Möglichkeiten der Klaviere in dieser Zeit verändert haben. Unsere nächste Sitzung in diesem Modul behandelt ein eher polarisierendes Thema: Die Oper. Viele Menschen finden die Oper zu künstlich, zu langatmig und manchmal einfach nur langweilig; andere wiederum genießen nichts mehr als diese glamouröse Kunstform. Wir werden einige Zeit damit verbringen, ein Plädoyer für die Kraft und Schönheit, ja die Magie der Oper zu halten. Vielleicht gelingt es uns dabei, einige Neinsager zu überzeugen. Da es unmöglich ist, die gesamte romantische Oper in einer Stunde zu behandeln, werden wir uns auf die Meisterwerke von Verdi und die bahnbrechenden Musikdramen von Wagner konzentrieren. Wagner ist vielleicht die einzige Persönlichkeit, die in Bezug auf musikalische Originalität und Innovation mit Beethoven verglichen werden kann und hat das Gesicht der Musik des 19. Wir werden uns mit Wagner beschäftigen, indem wir kurz seinen Ring-Zyklus analysieren. Dieser innovative Zyklus von Libretti, der auf der nordischen Mythologie basiert, enthält einige der ikonischsten und bekanntesten Musikstücke seiner Zeit. Wagners Verwendung von "Leitmotiven" ermöglichte eine detaillierte Erzählung, wobei die Musik sogar die unterbewussten Gedanken der Sänger auf der Bühne übertrug - eine wahrhaft revolutionäre Leistung. Sein Werk diente später als Inspiration für Schriftsteller und Filmemacher wie Tolkien, Lewis, Lucas und Martin, ganz zu schweigen von unzähligen Komponisten. In der letzten Lektion dieses Moduls werden wir unseren Fokus auf das Orchester als Ganzes während der Romantik ausweiten. Nur 60 Jahre nachdem Mozart sein fünfunddreißigköpfiges Orchester geleitet hatte, war es keine Seltenheit, dass Wagner und Mahler Ensembles mit weit über 100 Mitgliedern dirigierten. Doch nicht nur die Zahl der Musiker wuchs, auch die Instrumente selbst veränderten sich. Technologische Fortschritte verwandelten ehemals eindimensionale Instrumente wie das Waldhorn in vielseitige Instrumente, die in der Lage waren, eine vollständig chromatische Melodie zu spielen. Diese neu entdeckte Vielseitigkeit ermöglichte es Komponisten wie Brahms und Mahler, mit der Orchesterbesetzung zu experimentieren und sie für immer neu zu definieren.

Wenn Sie an Impressionismus denken, denken Sie wahrscheinlich an Gemälde, wahrscheinlich an die wunderschönen Leinwände von Claude Monet. Aber der gefühlsbetonte, nicht-realistische Stil des Impressionismus durchdrang alle Aspekte der Kunst. Was die Musik betrifft, so war ein anderer Claude, diesmal Debussy, das Aushängeschild der impressionistischen Bewegung. Nachdem Sie sich über das manchmal unerhörte Leben einiger berühmter Komponisten der Geschichte informiert haben, mag es Sie schockieren zu hören, dass Debussy ein eher banales Leben führte, ohne nennenswerte Depressionen, Psychosen oder Familientragödien. Aber auch aus einem gewöhnlichen Leben kann außergewöhnliche Musik entstehen! Wir werden uns drei Stücke ansehen, jeweils eines aus den Anfängen, der Mitte und dem Ende seiner Karriere, um zu sehen, wie sich Debussys Stil von der eher zielgerichteten Romantik hin zu dem "Leben im Moment"-Stil, der den Impressionismus prägte, entwickelte. Nach einer kurzen Gitarrenstunde, die mit Hilfe des talentierten Solomon Silber erteilt wird, fahren wir mit der Periode des Modernismus fort. Wie wir inzwischen alle wissen, ändert sich der Musikstil ständig. Manchmal ist der Wandel subtil, wie der Übergang von der klassischen zur romantischen Musik. Zu anderen Zeiten jedoch bricht der Wandel wie ein Tsunami über die bisherigen Traditionen herein. Genau das erleben wir, wenn wir uns mit den erfrischenden Klängen der Moderne beschäftigen. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gaben Komponisten wie Igor Strawinsky und Arnold Schoenberg die traditionelle Melodie und Tonleiter auf. Einfach ausgedrückt: Das Publikum war für diesen Wandel manchmal nicht gerade empfänglich. Wir werden uns Beispiele für Musik anhören, die beim Publikum auf Ablehnung stieß, und darüber diskutieren, was diese Musik für die meisten Hörer so unzugänglich, ja manchmal sogar unangenehm macht.Zum Abschluss dieser Woche und unseres Kurses werden wir uns mit Postmoderne und Minimalismus beschäftigen. Wir werden sehen, wie Komponisten wie Aaron Copland die Orchestermusik den Menschen wieder näher brachten, indem sie sie auf ihre grundlegendsten Begriffe reduzierten. Dann werden wir hören, wie Künstler wie Philip Glass und John Adams diese Idee aufgriffen und mit ihr fesselnde, tranceartige Sätze um die einfachsten Ideen herum komponierten.